Adentro! résulte d’une commande d’œuvre contemporaine inspirée des danses folkloriques argentines. Qu’est-ce qui vous a attirée dans la proposition ?

Je travaille toujours depuis le corps-matière, qui est une énorme source d’information, un lieu de savoir. Je l’interroge comme un oracle en partant de gestes minimaux, de sensations, de perceptions. Je me suis donc intéressée au corps intérieur des danses folkloriques argentines. Les torses bombés étant un de leurs éléments clés, j’ai d’abord demandé aux interprètes d’ouvrir le sternum très lentement et au maximum. J’ai vite vu comment s’incarnaient là le gaucho, la souveraineté, le colonialisme… C’était édifiant de voir qu’une si petite clé dans le corps pouvait évoquer tant de choses, raconter tant d’histoires collectives. Et puis, je suis tombée sur la vidéo qui ouvre le spectacle, où ce gamin danse un folklore beau, simple et authentique. Ce sont les deux choses qui m’ont décidée à accepter la proposition.

Nous avons alors commencé par collecter des données cinétiques en étudiant des tutoriels, des manuels et des vidéos, et un danseur spécialisé nous a permis d’accéder à un autre niveau d’apprentissage. Je n’ai donc pas choisi de danses en particulier, mais plutôt des éléments récurrents du folklore, que je me suis appropriés. Il s’agissait de travailler ce que fait le corps lorsqu’il danse le folklore, de déconstruire en quelque sorte un savoir populaire. Car on dit souvent que les danses traditionnelles portent l’âme du peuple.

Vous évoquez même l’idée du « corps d’un peuple ». Qu’avez-vous découvert d’autre que le machisme dans ces danses qui ont été créées au XXe siècle pour préserver l’identité nationale face à une immigration dont vous êtes personnellement issue ?

Ma famille est en effet juive polonaise et le fait est que les paradigmes des danses folkloriques juives que j’ai apprises à l’école privée sont très différents de ceux des danses enseignées dans le système public argentin. Et même si l’influence latine est grande dans mon éducation et ma vie, quand j’ai vu Pina Bausch à l’âge de 15 ans, j’ai senti quelque chose vibrer dans mon ADN, une affinité presque sanguine. Je ne peux nier mon lien à l’Europe. Toutes ces cultures cohabitent en moi et dans mon travail.

Pour ce qui est du corps argentin, les torses qui s’imposent dans l’espace et donnent immédiatement l’idée de confrontation sont très caractéristiques des danses folkloriques. Elles ont un caractère patriarcal, disciplinaire. Elles portent plus d’informations sur le corps masculin que féminin. Quand elles ont été créées dans les années 1920-1930, cette affirmation identitaire était surtout le fait des hommes de la campagne, des gauchos. Ces danses sont d’ailleurs aussi très binaires. Dans les rares rôles qui sont réservés aux femmes, tout devient léger, fluide, gracile. Aujourd’hui, femmes et hommes dansent les rôles indifféremment. Dans la pièce, on a voulu les mêler en affublant la femme d’une barbe et en la lui ôtant. On a cherché une hybridation qui contienne une quantité énorme d’éléments du folklore sans en être.

Ce n’est pas du folklore, mais l’Argentine transpire de manière impressionnante dans la pièce. Comment l’expliquez-vous ?

Ce qui est beau, c’est que d’avoir pris des éléments du folklore sans les rassembler comme ils le sont habituellement a ouvert la possibilité que des images apparaissent de la pampa, du vent, des animaux, des chevaux, de toutes sortes d’éléments qui ont certainement inspiré ces danses. Elles sont vidées de leur charge symbolique, mais il y a néanmoins une prise d’information qui finit par recharger la danse d’un nouveau symbolisme. Le travail de la musique avec Axel Krygier, avec lequel j’ai été couplée dès le départ, a suivi le même processus que le mouvement. Il fusionne beaucoup le folklore dans son travail et l’hybride avec des sons très éloignés dans ses compositions.

Je reviens à l’idée d’interroger le corps comme un oracle. Quelles réponses le corps vous a-t-il déjà apportées et a-t-il contribué à forger votre vision du monde ?

D’abord, je pourrais dire qu’on peut formuler n’importe quel type de question et que le corps va toujours apporter une réponse. Je pourrais dire aussi qu’il m’a appris que des gestes très minimaux peuvent conduire à des lieux très riches et exquis. Qu’en combinant exploration du corps et de l’espace, la danse offre une possibilité de voir le monde dans ce qu’il a d’essentiel, de simple, qu’elle donne des clés politiques et sociologiques fondamentales.

Et cela a absolument transformé ma vision du monde. Par exemple, je peux dire que je suis très féministe à cause de la danse. Ce regard qui me donne la possibilité d’être dans le corps me positionne comme femme dans le monde par mes perceptions, ma sensibilité, ma prudence. Cette approche fine, cette posture d’attention au minimal me font voir et comprendre des choses que je ne verrais pas dans des situations où on dérive facilement du sujet et où on perd plein d’informations. Et si j’ai recours à une part d’improvisation dans la plupart de mes œuvres, c’est pour les garder vivantes et maintenir ce fameux oracle en action.

Propos recueillis par Fabienne Cabado

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