Éric, vous avez écrit le texte du spectacle il y a plus de 10 ans. Quel était votre projet d’écriture initial à cette époque ?

Je dois dire qu’au départ, je n’avais pas vraiment de projet artistique ! J’étais avant tout en proie à une impulsion très forte : j’avais besoin de décrire les émotions que je ressentais ainsi que des choses très marquantes observées dans l’univers qui était le mien à ce moment-là, celui du chemsex. J’ai donc amorcé l’écriture d’abord dans une sorte d’urgence, et peu à peu, une histoire est née et j’en ai suivi les fils.

Bien sûr, par la suite, j’ai beaucoup retravaillé la partition textuelle. Je me suis penchée sur sa structure et sa construction dramaturgique, et j’ai réfléchi à la posture du personnage, à son rapport avec le récit. On y retrouve certains des mécanismes qui s’activent dans mon écriture depuis le début de mon parcours et que j’utilise encore aujourd’hui, comme la chronologie inversée ou encore la narration active et la conscience qu’ont mes personnages de la présence du public.

La pièce aborde une réalité dure et méconnue, celle du chemsex, qui consiste en l’usage de certaines drogues synthétiques au cours des rapports sexuels. Pourtant, on se sent rapidement très proche du personnage. Pourquoi, selon vous ?

EN : Le chemsex est en effet méconnu, mais c’est une pratique beaucoup plus répandue qu’on pourrait le croire. Il s’agit d’un phénomène qui a pris de l’ampleur au cours des dernières années et plusieurs intervenants du milieu communautaire et de la santé militent pour que cette pratique soit reconnue par les autorités comme un enjeu de santé publique — comme c’est le cas maintenant en France. Donc, même si cet univers peut apparaître très marginal pour certain·es spectateur·rices, d’autres s’y projettent d’emblée, puisque ça les touche directement.

Par ailleurs, je pense que le lien très fort que l’on peut ressentir face à une œuvre d’autofiction constitue l’un des éléments qui rendent ce type de proposition si intéressante : lorsqu’un·e artiste s’appuie sur une expérience vécue, une vérité émane de sa création et, bien souvent, ça permet au public d’être dans une grande proximité avec le récit, peu importe son expérience de vie. Ces regards amoureux de garçons altérés contient une vulnérabilité qui est liée à ce que je vivais au moment de son écriture, et je pense que cette sensibilité brute ouvre la porte à une immense connexion avec le public.

Philippe Cyr : Le texte met de l’avant des problématiques de dépendance, de consommation et de sexualité, mais, selon moi, il s’agit en premier lieu de l’histoire d’une grande peine d’amour, dans laquelle on peut tous et toutes se reconnaître. Dès le début du projet, nous avions cette volonté de ne pas marginaliser le personnage. L’un des premiers choix que nous avons faits est celui du comédien qui allait porter cette parole.

On voulait à tout prix éviter les clichés en ne mettant en scène ni un corps rachitique, blessé, marqué par la drogue, ni un corps qui correspondrait aux clichés sexualisés de la communauté. Lorsqu’on a pensé à Gabriel, en plus de sa force d’interprétation et de sa polyvalence, il nous est apparu que ce comédien, rayonnant de santé, jovial à sa façon, pourrait participer à déjouer les a priori sur les enjeux qui sont abordés dans le texte.

Je voulais que l’on ait la possibilité de s’identifier à ce garçon, comme à un cousin, un ami, un frère ou un fils. Par ailleurs, l’énergie et le talent de Gabriel s’harmonisent très bien avec les nombreuses dimensions qui sont à l’œuvre dans l’écriture d’Éric.

Quelles sont ces multiples dimensions dans le texte et comment les avez-vous déployées dans la mise en scène ?

PC : La pièce contient plusieurs couches de sens ; elle met en scène de nombreuses dualités et c’est ce qui la rend si riche. En premier lieu, une grande brutalité et une immense beauté s’y côtoient et y sont constamment en dialogue, en friction. Cette particularité soulève plusieurs questions, notamment sur le plan de l’interprétation : comment embrasser à fond la violence du récit, tout en laissant la place à la grande tendresse et à l’amour qu’il contient ? Ensuite, le spectacle provoque un effet ambigu : pour beaucoup de gens, ce qui y est décrit par rapport à la sexualité et à la consommation est repoussant et très dur à recevoir. Pour d’autres, au contraire, c’est excitant et attirant. J’ai voulu que ces deux postures coexistent et s’incarnent par le romantisme, au sens le plus pur du terme.

Finalement, il y a aussi un genre d’opposition dans l’état de conscience et de lucidité du personnage. Est-il en train de vivre tout ça ou a-t-il un certain recul sur son histoire ? Parfois, on a l’impression qu’il est complètement immergé dans le présent du récit, mais, en fait, non, puisqu’il admet également qu’il se tient devant nous. Je n’ai pas cherché à démêler ces différents niveaux de la partition. La pièce contient des mouvements subtils, qui ne sont pas tranchés au couteau ; elle s’articule comme un prisme dont chacune des facettes doit pouvoir exister.

Propos recueillis par Sara Fauteux

Retour au spectacle

Entretien avec Éric Noël + Philippe Cyr | 2026

Plus d’articles

Entretien avec Jeremy Nedd sur « slidin' thru » | 2026

Entretien avec Jeremy Nedd sur « from rock to rock... » | 2026

Entretien avec Clarice Lima | 2026