Qu’est-ce qui a donné naissance à BOLT ?

Mon travail est communautaire et trouve généralement son ancrage dans le territoire où j’ai grandi, en Saskatchewan. Dans le cas de BOLT, il me fallait rester à l’échelle locale. J’avais également envie de collaborer avec des artistes plus mûr·e·s, capables d’improviser et de contribuer avec leurs propres récits au processus de création. L’équipe est constituée de formidables artistes établi·e·s, et la pièce a été développée dans une perspective autochtone inspirée de ce que Rachael Swain appelle une « approche interculturelle autochtone ». Cela va au-delà d’une simple collaboration entre artistes autochtones et allochtones. Il s’agit d’une invitation qui affirme qu’il y a de la place pour tout le monde, y compris le public.

En quoi les jeux d’endurance que l’on voit sur scène ont-ils donné forme à la pièce ?

Chacune des quatre sections de BOLT a d’abord été un jeu avec des paramètres clairs définis avec le temps. Je travaille dans une perspective globale autochtone au sein de laquelle la danse a une fonction (danse rituelle, danse pour un mariage). Ces jeux sont connectés à un thème, à une fonction ; ils sont raffinés par la pratique, pour ensuite être adaptés en temps réel afin de créer les quatre sections de la pièce.

Je travaille beaucoup avec l’image du cheval. Dans la première section, nous activons l’espace et nous nous mettons au diapason, entre nous et avec le public. C’est un prérequis si l’on veut pouvoir raconter collectivement une histoire et bouger ensemble dans la deuxième section où l’on se tient par la main, interrelié·e·s par un courant, prêt·e·s à bondir comme l’éclair.

Vous formez ensemble un seul cheval dans la troisième section. Pourquoi ?

Même si je ne travaille pas ici avec mon territoire ancestral, ce processus de recherche n’en est pas moins ancré dans le territoire et les animaux qui l’habitent. Je voulais que nous devenions toutes les parties d’un cheval. C’est un élément de rupture dans la pièce, la détérioration de tout ce qui a été jusque-là harmonieux. C’est ludique, mais c’est aussi le moment où sont révélés les aspects plus durs de l’œuvre. Nous revenons au territoire pour nous demander quelle est notre relation coloniale à celui-ci. Le territoire est marqué par la désolation après des années d’extraction. Cette section est un espace liminal. Quand nous le traverserons finalement et en ressortirons de l’autre côté, dans quel état nous trouverons-nous — autochtones et non-autochtones — avec tout notre bagage colonial, et sachant que nous partageons ce passé ? Pouvons-nous emprunter la voie du futur avec ce qu’il reste du territoire et des relations que nous avons les un·e·s avec les autres ? Comment ferons-nous pour être ensemble, sans éviter cette dysfonction, la reconnaissant plutôt comme quelque chose qui puisse être porteur d’espoir ?

C’est ce en quoi je crois comme personne. Je veux laisser le monde dans un meilleur état que celui que mes ancêtres et moi avons connu. Il s’agit de tendre vers la joie. Je sais que je ne peux pas toujours être joyeuse et mon travail non plus, mais je suis dans un processus de recherche de la joie et de création d’espaces pour la contenir.

La souveraineté est au cœur de votre travail. Quel est le lien entre souveraineté et improvisation dans la pièce ?

BOLT exprime la souveraineté au sens large : chaque artiste y est libre d’apporter sa propre individualité. Je vois vraiment cela comme une façon d’illuminer notre humanité, une façon de nous réunir. Dans les moments d’improvisation, nous partageons nos découvertes en temps réel, lesquelles donnent lieu à des moments magiques de chorégraphie spontanée. Ce sont des gestes de souveraineté parce que nous les assumons d’une façon très vulnérable. Nous exposons ce qui peut être perçu comme un succès ou un échec dans ces moments et affirmons que les deux sont de valeur égale pour la pièce.

Comme c’est une pièce vivante, rire ou utiliser sa voix est permis dans BOLT. Il faut que ce soit une réponse naturelle qui vient de l’intérieur et répond à ce qui émerge dans l’instant ; nous nous accordons avec la musique et la lumière qui s’accordent aussi avec nous. Cette négociation constante, cette interaction et cette curiosité nous permettent de rester spontané·e·s. Chaque spectacle est unique et cela me force à laisser aller certaines choses. Je m’attache à certains sentiments, à certains moments. Il est difficile de les recréer et, parfois, si nous tentons de le faire, le résultat tombe à plat. Nous savons que tout ce qui a déjà eu lieu peut potentiellement se reproduire, mais nous acceptons que tout ne se produise pas durant chaque représentation.

Propos recueillis par Julie Burelle

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