Violence [2020]

À la lisière entre art numérique et art vivant, elle soumet la matière artistique et humaine aux lois de la transformation. En ressortent des œuvres d’une grande maturité qui s’érigent sur les versants de nos réalités virtuelles et rêvées.

C’est en 2001 qu’elle crée son tout premier spectacle solo au FTA : Jimmy créature de rêve. Cette création originale est un important pivot dans sa pratique en plus de marquer le début d’un parcours unique avec le Festival où elle présentera sept œuvres, parmi lesquelles Peepshow (2005) et Trieste (2013).

Violence, dont la première étape de travail, Introduction à la violence, a été présentée à l’Usine C en mai 2019, signe son retour sur le plateau après avoir mis en scène La vie utile d’Evelyne de la Chenelière (Espace GO, FTA, 2018) et Éclipse au Théâtre de Quat’Sous (2020).

Créatrice de la résonance, Brassard partage une histoire particulière avec différents lieux, particulièrement le Japon. Il y a 28 ans, elle s’y rendait pour la première fois afin d’interpréter Lady Macbeth aux côtés de Robert Lepage, dont elle a été une fidèle complice artistique pendant 15 ans à la suite de la création de La trilogie des dragons en 1985.

Plus récemment, à l’automne 2017, elle met en scène une version japonaise du bouleversant spectacle hommage à Nelly Arcan, La fureur de ce que je pense (FTA, 2017), à Tokyo. C’est à cette occasion qu’elle rencontre Miwa Okuno, chorégraphe, et Eriko Hatsune, comédienne, avec qui elle collabore à nouveau pour Violence. S’ajoutent Kyoko Takenaka, comédienne, et Yokna Hasegawa, une cinéaste, photographe et dramaturge.

« Regarde, on dirait une petite fleur japonaise qui n’est pas encore née. » Cette phrase initiatrice de votre projet vient de Léone, votre filleule. Quelle place occupe la réflexion sur le langage et l’enfance dans Violence ?

Les enfants disent de si belles phrases. Ils ont une pensée élaborée dès leur tout jeune âge. Cette phrase et celle-ci, « Le dieu a été mis chaos », en sont de bons exemples. Une fois exprimés ces mots nous touchent, mais nous les oublions très rapidement. On ne met pas les efforts pour essayer de voir ce qu’il y a derrière cette pensée, pour comprendre d’où elle vient et où elle pourrait nous mener.

Il y a cette phrase magnifique de l’écrivain John Berger : « si tu veux savoir où tu vas, regarde d’où les enfants viennent. » Selon moi, l’une des premières violences à laquelle nous faisons face, enfant, est cette voix singulière qui est délaissée, refrénée parce que corrigée pour devenir adéquate.

Quand les enfants grandissent, ils se transforment et deviennent eux-mêmes, mais traversent aussi une succession d’épreuves où ils doivent se conformer. La première partie de Violence, Introduction à la violence qui a été présentée à l’Usine C au printemps dernier, est une réaction à cela.

Quand on lit le titre Violence, on s’attend peut-être à assister à une proposition sur la violence physique et ses ramifications sociales, politiques et économiques. Bien sûr, il y a un peu de ça dans le spectacle, mais je veux isoler ce mot de tous ces concepts. Ce n’est pas un manifeste. Je laisse plutôt la violence transpirer dans les tableaux conçus avec les artistes du projet.

Un important segment du projet est en partie créé au Japon, à Kinosaki et à Tokyo, en collaboration avec des créatrices japonaises. D’où part l’élan créateur qui vous amène à explorer une autre perception du temps, de l’existence et de la violence avec ces femmes ?

Ma première intuition pour ce spectacle s’est cristallisée au Japon alors que je visitais l’exposition Catastrophe et le pouvoir de l’art : ce que l’art peut faire en période chaotique lorsque l’avenir est incertain, en compagnie d’Antonin Sorel, scénographe du projet, à Tokyo. Une menace constante plane sur les Japonais, celle des catastrophes naturelles engendrées par la présence destructrice de l’Homme.

Avec Violence, je désire explorer cet aspect en me demandant comment ma pratique peut interagir avec cette réalité. Je suis très préoccupée par les défis environnementaux et sociaux auxquels nous faisons face. Dans les années à venir, la majorité des œuvres d’art porteront la trace de l’effondrement qui nous guette.

La résidence de création au Japon est née d’un désir de se retrouver dans un autre univers, de vivre une certaine immersion culturelle. Je souhaite que la présence des artistes japonaises évoque à la fois un Japon du passé et un autre très actuel, voire futuriste. Je suis curieuse de savoir ce qui les rattache au passé et ce qui les projette dans le futur. Comme dans le théâtre kabuki, je souhaite qu’à un certain moment du spectacle, on se trouve de l’autre côté de l’image, dans un revers du monde. Le théâtre, la création, dans l’idée d’un inconscient partagé, sont un geste de solidarité, de résonance et de partage. Voilà l’élan qui me porte.

L’expression de Léone, par laquelle vous commencez le spectacle, est une invitation à la création, tandis que la violence, au niveau théorique, en appelle à une pulsion de destruction. Comment expliquer cette contradiction ?

L’idée d’une naissance alors que le monde s’écroule est aussi incarnée dans la pensée de Léone. Cette petite fleur qui n’est pas encore née témoigne de quelque chose qui va arriver dans le futur, mais qui a peut-être déjà existé aussi. Il y a donc cette idée d’une antichambre où des esprits attendent, peut-être, le moment de leur (ré)incarnation. Le spectacle se déploie à cet endroit.

La destruction et la création sont deux idées très liées pour moi. La nature cristallise d’ailleurs cette concordance. C’est une puissance destructrice avec ses raz-de-marée et ses tremblements de terre, mais également une puissance créatrice, car elle donne la vie. La nature incarne un cycle de violence qui fait partie de notre écosystème.

Cette idée est incarnée dans l’art japonais du kintsugi. Cette technique japonaise consiste à réparer des objets cassés en porcelaine et à en souligner les cicatrices par de l’or liquide. C’est une métaphore puissante et une importante sources d’inspiration pour nous. J’y vois un hymne au temps et à la durée. Une ode à la beauté de la vieillesse, au caractère sacré de l’expérience qui ne s’acquiert qu’avec le temps.